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(DIRECTOR)

Víctor Albarracín Llanos trabaja en proyectos de diversa índole. Es autor de tres libros y de una maraña de textos sueltos sobre cosas dispares. Ha sido cofundador y miembro de espacios de artistas que incluyen El Bodegón (Bogotá, 2005-2009), Selecto–Planta Baja (Los Ángeles, 2014–2015) y La Parte Maldita, una oficina esporádica de proyectos curatoriales y publicaciones. Se podría decir que es un artista y curador, y hay algunos indicios que permiten creerle. Ha sido parte, desde mediados de los 90, de bandas y proyectos musicales que incluyen el Trinomio de Oro, Don/Nadie, Chicas Águila, Los Polvos y las Ruinas Telepáticas. Actualmente es Director Artístico de Lugar a Dudas. Vive y trabaja en Cali.

 

Víctor Albarracín Llanos (1974) works in projects of different nature. As a writer, he has published three books and a bunch of articles on assorted topics. Co-founder and member of artist-run spaces, including El Bodegón (Bogotá, 2005–2009), Selecto–Planta Baja (Los Angeles, 2014–2015), and La Parte Maldita, an immaterial office for curatorial projects and publications. It could be said that Albarracín is part an artist and part a curator, and there is some evidence to trust him. He was part of the curatorial team for 44SNA (www.44sna.com) and is the current Artistic Director at lugar a dudas (www.lugaradudas.org). Lives and works in Cali, Colombia.

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(DIRECTORA INVITADA)

María Isabel Rueda es cartagenera, publicista de la Universidad Jorge Tadeo lozano y artista plástica de la Universidad Nacional de Colombia, donde también realizó su maestría. A lo largo de su carrera ha sido directora artística del espacio independiente La Usurpadora, en Puerto Colombia; curadora externa del Museo de Arte Moderno de Barranquilla y curadora imagen regional, zona Caribe, del Banco de la República; docente en la Universidad Nacional de Colombia, la Universidad Jorge Tadeo Lozano, La Salle College en Barranquilla; tallerista del programa Jóvenes Tejedores de Sociedad; y creadora y editora del magazine independiente Tropical Goth.

Ha recibido múltiples distinciones entre las que se encuentran el primer premio en Ojo con la Ciudad de la Alcaldía Mayor de Bogotá, dos becas de creación del Ministerio de Cultura, una mención en el XII Salón de Artistas Jóvenes y otra en el Salón del Fuego de la Fundación Gilberto Alzáte Avendaño y el primer premio del Concurso Phillips de Arte para Jóvenes Talentos de Bogotá. En 2010 obtuvo una Residencia Batiscafo en La Habana, Cuba y en 2011 obtuvo una residencia en Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, en la Franja Arte-Comunidad en Ecuador y en York university en Canadá.

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Anselm Franke is a Critic and curator based in Berlin, and curator of the Taipei Biennial 2012. He recently curated the exhibition and publication project "Animism" in various collaborations and chapters shown in Antwerpen, Bern, Vienna, Berlin and New York between 2010-12. He was director of Extra City Kunsthal Antwerpen (2006-2010) where he organized exhibitions such as "Sergei Eisenstein - The Mexican Drawings" and "Mimetismé", and he was a co-curator of Manifesta 7 (2008) and the Brussels Biennial (2009). He is a researcher at Goldsmiths College University of London and a lecturer at the Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. Since 2006, he is co-curator of the Forum Expanded of the International Filmfestival Berlin. He is Head of Visual Arts at the Haus der Kulturen der Welt in Berlin.

 

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Boris Ondreicka es un curador, artista, autor y cantante radicado en Bratislava y Viena. Ha trabajado como coordinador de proyectos en el Soros Centre for Contemporary Arts, Bratislava, director de transit.sk, Bratsilava, y es, desde 2012, curador en TBA 21, Viena, donde ha (co)curado Rare Earth; Supper Club; Tomorrow Morning Line; Ephemeropterae (activa desde 2012) y, recientemente, Olaffur Eliasson Green Light – An artistic workshop. Entre otras, ha co/curado Manifesta 8, Murcia y Cartagena; Being the Future, Palast der Republik, Berlín; Symposion, The Event, Birmingham u Auditorium, Stage, Backstage, en Frankfurter Kunstverein. Ha curado también proyectos individuales de Lois y Franziska Weinberger, Stano Filko, Andreas Neumeister, Július Koller, Denisa Lehocká, Zbyněk Baladrán y otros proyectos en transit, Bratislava. En 2010 fundó la Július Koller Society.

Sus proyectos artísticos se han presentado, entre muchos otros, en Manifesta 2, Luxemburgo; Bienal de Venecia; Bienales de Praga, Gyumri, Turín, Anzengruber, Taipei, Atenas y Yakarta; MoMA-PS1, Nueva York; BAK, Utrecht; W139 y De Appel, Amsterdam; Smak, Gent; Fondazione Sandretto de Rebaudengo, Turín; Kiasma, Helsinki y HKW, Berlín. Su libro HI! lo fue publicado por transit / jrp ringier y One Second / Out of Time por Revolver. Desde 1987, Ondreicka es la voz líder y letrista de la banda Kosa z nosa, en Bratislava.

 

Boris Ondreička is a curator, artist, author and singer based in Bratislava, SK and Vienna, AT. He has been working as project coordinator at Soros centre for contemporary arts, Bratislava, SK, director of art–initiative tranzit.sk, Bratislava, SK, and since 2012 curator at Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Vienna, AT. Where he has (co-)curated Rare Earth; Supper Club; Tomorrow Morning Line; Ephemeropteræ (ongoing since 2012) and recently Olafur Eliasson Green light—An Artistic Workshop. Amongst that he has co/curated Manifesta 8, Murcia and Cartagena, ES; Being The Future, Palast der Republik, Berlin, DE; Symposion at The Event, Birmingham, UK; Auditorium, Stage, Backstage, Frankfurter Kunstverein, DE; and individual projects of Lois & Franziska Weinberger, Stano Filko, Andreas Neumeister, Július Koller, Denisa Lehocká, Zbyněk Baladrán, and other projects at tranzit Bratislava. In 2010 he co-founded the Július Koller Society.

His artistic projects include Manifesta 2, Luxembourg, L; Venice- (Czecho-Slovak & Roma pavilions); Prague-, Gyumri-, Torino-, Anzengruber-, Tai-Pei-, Athens- , Kyiv-, Jakarta- biennales; MoMA-PS1 NYC, USA; BAK Utrecht, NL; Maastricht, NL; W139 and De Appel, Amsterdam, NL; Smak, Gent, BE; Kunsthalle Loppem, BE; Marres, Tramway Glasgow UK, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo Turin, IT; Le Plateau, and Galerie Jocelyn Wolff, both Paris, F; Frankfurter-, Kölnischer-, Badischer-, Münchener-, Stuttgarter Kunstvereins, DE; Kiasma, Helsinki, FI; HKW, Berlin, DE; ACAF, Alexandria, EG; Slovak and Czech national galleries; Secession, Mumok, Kunsthalle, Tanzquartier, all Vienna, AT; Donaufestival, Krems, AT; Magazin 4, Bregenz, AT; and elsewhere. His HI! lo. was published at tranzit / jrp Ringier, CH and One Second / Out of Time at Revolver, DE. Since 1987 is a lead-singer and lyrics writer of the band Kosa z nosa, Bratislava, SK.

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Carl Abrahamsson es un escritor sueco nacido en Estocolmo, se ha especializado en temas relacionados con las artes y el entretenimiento, la historia esotérica, el ocultismo y retratos para el mercado internacional. Trabaja como conferencista y consultor en procesos de edición de textos y sellos discográficos.

En 1978 empezó a tomar fotografías y luego en 1985 estudió periodismo e historia del cine en la Universidad de Estocolmo. Incursionó en las publicaciones a través de TOPYSCAN y la revista ocultista The Fenris Wolf. En la década de los 90 lanzó el sello discográfico Psychick, confundó la Sociedad Cinematográfica Cinematrick y la editorial de libros Looking Glass. Luego, en el 2000, editó y publicó el primer número del fanzine de arte BULT y continuó con su trabajo independiente en el campo de la fotografía y la edición. En 2012 fundó TRAPART Books, Films and Editions como una salida para libros, películas y otros materiales interesantes luego de que cerrara Edda Publishing, proyecto creado junto con Fredrik Söderberg y en el que venía trabajando hasta entonces.

Carl Abrahamsson is a swedish freelance writer specialising in material about the arts & entertainment, esoteric history, occulture and portraits for the international market.  He also lectures on all of the mentioned subjects at art schools, universities, events, symposia and conferences. Works as a consultant in regard to text editing and printed matter for publishing companies, magazines and record labels. He also works with filmmaking, in publishing, photography and music. 

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Catalina Lozano es curadora e investigadora independiente nacida en Bogotá y radicada en México. Está interesada principalmente en la investigación histórica a través del arte y los relatos menores y en la revisión contemporánea de narrativas históricas dominantes. En 2011 co-fundó de_sitio, una plataforma de proyectos en la Ciudad de México. Hizo parte del equipo artístico de la 8ª Bienal de Berlín (2014). Exposiciones y proyectos recientes incluyen Ce qui ne sert pas s’oublie, CAPC Bordeaux (2015), Une machine désire de l’instruction comme un jardin désire de la discipline para el MARCO de Vigo (2013), FRAC Lorraine (2014) y Alhóndiga Bilbao (2014), Being an Island (con Kasha Bittner), daadgalerie, Berlín (2103); La puerta hacia lo invisible debe ser visible, Casa del Lago, México D.F. (2012); ¿Tierra de nadie?, Centro Cultural Montehermoso, Vitoria-Gasteiz (2011); Modelling Standard (con Erick Beltrán y Jorge Satorre), FormContent, Londres (2010);  y Everything has a name, or the potential to be named (con Anna Colin), Gasworks, Londres (2009). Entre 2008 y 2010 fue responsable del programa de residencias de Gasworks (Londres). Ha participado en varias conferencias internacionales y escribe regularmente para catálogos de arte contemporáneo y publicaciones periódicas. Desde 2012 colabora con el artista Jorge Satorre en un proyecto en el Museo Comunitario del Valle de Xico. Su libro The Cure, ha sido publicado recientemente por Askeaton Contemporary Arts.

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Dick Verdult es un artista, músico y cineasta Holandés. Aunque nació en Eindhoven, sus estadías en Guatemala, Argentina, Francia y Sudáfrica lo han hecho considerarse de varias partes del mundo adoptando la multiculturalidad como parte esencial de su obra. Conocido como Dick el Demasiado, es considerado el padre de la cumbia experimental. En la década de los noventa creó en Holanda el Instituto de Lunatismo Abordable, cuyos performances y producciones para radio y televisión tuvieron eco en toda Europa. En el 2000, Dick el Demasiado retomó las cumbias, los recuerdos de su vida en latinoamérica y los choques culturales para empezar a experimentar con la música y el folclor.

Por sus creaciones se lo conoce como el inventor de la cumbia lunática como género musical. Y a pesar de no ser argentino, fue allí donde se enamoró de la cumbia y se convirtió en uno de los artistas radicales más conocidos en la escena underground. En el 2017 se lanzó la película “Dick Verdult, es verdad pero no aquí” sobre su vida y obra, realizada por Luuk Bowman y producida por Newton film y seriousFilm.

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El colectivo de arte Don Nadie, conformado por Juan Bocanegra y Jorge Sarmiento, ha desarrollado múltiples proyectos y exposiciones colectivas como la VI Bienal de Venecia de Bogotá y el XIII Salón nacional de Artistas Jóvenes en el 2006 y el encuentro MDE 2007. En el 2009 Don Nadie expuso “Todo lo que sube…” en El Bodegón y participó de la exposición de la Oreja Roja en el XIII Salón Regional de Artistas Zona Centro.

El colectivo ha sido curador de proyectos como “Compro, luego existo” dentro de La Otra y ha publicado en la Revista Asterisco y Our Business is none of your art de Estados Unidos. Actualmente Don Nadie se ubica en Bogotá, donde se han consolidado como una figura relevante en el ejercicio radical de la crítica institucional local.

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Ian Svenonius es un músico estadounidense y cantante de bandas como Nation of Ulysses, The Make-Up, Weird War, XYZ, Escape-ism y Chain and The Gang, radicadas en Washington D.C. Además de sus más de 19 álbumes y 20 singles lanzados, Svenonius ha sido autor de varias publicaciones y presentador de programas de entrevistas en línea. Su obra tanto como cantante, compositor y escritor comparten una perspectiva marxista y antiautoritaria.

Nation of Ulysses, su primera banda, lanzó su primer disco en 1990 y se convirtió en representante de la escena punk en Estados unidos. Luego de su disolución, en 1995, Svenonius formó The Make-Up combinando el trash, el soul y la teología de la liberación para crear el Gospel Yeh-Yeh como un nuevo género musical. Después vinieron las bandas Weird War y Chain and the Gang.

Svenonius es autor de los libros The Psychic SovietSupernatural Strategies for Making a Rock n' Roll Group y Censorship Now!

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Tras haber sido encarcelada durante nueve meses en 2008 por intento de robo, Jennifer Moon transformó su práctica artística. Moon hizo un giro hacia adentro, dibujando sus experiencias creando la Revolución, un movimiento que concebía un cambio mundial de pensamiento a través del amor, el sentido común y el empoderamiento. Mezclando teoría política, autoayuda y fantasía, Moon usa la Revolución en performances, videos, escritos y esculturas para mostrar su visión poco convencional del mundo.

Un buen ejemplo de la práctica de Moon son los textos y fotos que constituyen el centro de su libro This Is Where I Learned of Love, en el que se presenta como prisionera política, fundiendo sus cartas con una investigación más extensa sobre poblaciones carcelarias en los Estados Unidos. Haciendo borrosas las definiciones y las prácticas, Moon crea un espacio para la transformación de nociones sobre la sociedad.

Además, Moon realiza talleres de autodescubrimiento como parte de sus exhibiciones, continúa publicando sus textos y conduce el programa radial Adventures Within, en KCHUNG, Los Angeles. Moon busca busca crear una fundación para propagar la Revolución más allá de la práctica artística y ofrecer así orientación a otros. En cierto punto, admite, la Revolución puede evolucionar hacia una vocación que vaya más allá de los contextos artísticos.

 

After Jennifer Moon was incarcerated for nine months in 2008 and 2009 for attempted robbery, she transformed her artistic practice. Moon began turning inward, drawing from her experiences in creating the Revolution, a movement that envisions a worldwide shift in thinking through love, presence of mind, and empowerment. Blending political theory, self-help, and fantasy, Moon uses the Revolution in performances, videos, writing, and sculpture to share her unconventional vision with the world.

Examples of Moon’s practice are the texts and photographs that make up the core of her self-published book This Is Where I Learned of Love. In the book, Moon casts herself as a political prisoner, merging her letters with a larger insight about prison populations in the United States. In blurring definitions and practices, Moon creates a space for shifting of notions about society.

Additionally, Moon leads self-discovery workshops as part of her exhibitions, continues publishing writings, and hosts the radio show Adventures Within on KCHUNG. Moon aims to spread the Revolution beyond art making and one day have a Revolution foundation to offer guidance to others. At some point, she admits, the Revolution may evolve into a vocation that goes beyond art-world contexts.

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Lizzie Borden is an american filmmaker whose feminist perspective informed her eclectic style and subjects, which largely defy mainstream cinema.

Borden earned her bachelor’s degree in fine arts at Wellesley College and received a master’s in fine arts from Queens College of the City University of New York. Regroupings (1976), an experimental feature-length film she directed, was shown in New York City, but she made her mark in filmmaking in 1983 when her feminist classic Born in Flames—directed and produced on a budget of about $30,000—received considerable critical attention. Borden wrote, directed, edited, and produced the 1986 film Working Girls, a feminist docudrama that attempts to de-eroticize the subject of prostitution. Its main character is a Yale University graduate who lives with a female lover and aspires to become a professional photographer. Borden’s next feature, the thriller Love Crimes (1991), was made in Hollywood with a budget of more than $6 million. Studio reediting of Borden’s original conclusion, however, made the ending both abrupt and confusing. In 1994 she cowrote and directed “Let’s Talk About Sex,” the American segment (segment 1) of Erotique (1994).

Luisa Ungar estudió artes visuales en Bogotá y tiene un MFA del Instituto Sandberg de Amsterdam. Su trabajo más reciente se ha enfocado en las narrativas que involucran la animalidad y lo no humano en los circuitos coloniales. Examinando los procesos de construcción de la historia, Ungar ha intentado conectar sus experiencias cotidianas con materiales de archivo o producidos por la academia para cuestionar el papel del experto y dar lugar al
caos, la especulación y la improvisación.

Sus proyectos se han enfocado en diversos temas utilizando el dibujo y el texto y han sido presentados en lugares como la Bienal del Mercosur en Porto Alegre, el Centro de Artes Dos de Mayo (Madrid), la Bienal de Marrakech, el Museo de arte del Banco de la República Bogotá, Rong Wrong (Amsterdam), el Festival de Performance de Cali, el Spring Workshop de Hong Kong y la Bienal Sur (Rosario). Además, ha sido residente de Gasworks, TRain Residency en Londres, RESO en Italia y Maebashi Arts Center en Japón, y coeditora de proyectos como DISDISDIS y Proyecto Asterisco.

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Nacido en Australia, Michael Taussig es conocido por el estilo poco convencional de sus estudios etnográficos y académicos. Estudió medicina en la Universidad de Sydney y luego recibió su PhD en antropología en la London School of Economics. Su obra retoma asuntos como la comercialización de la agricultura campesina, la esclavitud, el hambre, la teoría marxista sobre el fetichismo de la mercancía, el colonialismo, el chamanismo, la estética modernista y posmodernista de los rituales, el terror y la violencia.

Influenciado por la Escuela de Frankfurt de teoría crítica y por el postestructuralismo francés, Taussig se consolidó como un referente clave del proceso de cambio de la antropología en la década de los 80’s. Sus estudios realizados durante su estadía como médico en Colombia a finales de los 60’s y su cercanía a las dinámicas de la violencia y los enfrentamientos con los paramilitares, contribuyeron a desconfiar de los análisis culturales realizados desde la perspectiva de cultura occidental dominante.

En ese momento, la etnografía se convirtió en una herramienta consciente para entender las culturas locales y cuestionar la objetividad de los estudios publicados hasta el momento. Haciendo uso de los datos etnográficos y la ficción, Taussig no sólo ha transformado las técnicas narrativas de la disciplina antropológica, sino que además, las ha convertido en un instrumento válido para cuestionar conceptos como la objetividad científica en el estudio de lo social.

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Rat Trap es una plataforma de producción de arte no institucional y música no corporativa.

Tras 12 años de eventos culturales se materializó como un espacio físico en mayo de 2012. El proyecto incluye dos talleres de serigrafía, un estudio de grabación, dos salas de ensayo, trece talleres de artistas, una sala de proyectos y una tienda.

Su objetivo principal es defender la autonomía creativa y promover la sostenibilidad económica de proyectos artísticos, sociales y culturales, ofreciendo herramientas y espacios para el desarrollo de producciones auto gestionadas y costo efectivas que permitan hacer viables en el tiempo prácticas que históricamente han dependido de incentivos estatales y fondos privados.

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Susan MacWilliam nació en Belfast. Ha representado a Irlanda en la Bienal de Venecia, 2009. Es conferencista en el National College of Art and Design, Dublín y su trabajo en video hace parte del British Library Sound Archive. Ha expuesto extensamente de forma individual y en shows grupales, incluyendo, entre otros: Highlanes Gallery, Drogheda; QUARD, Derby; Gimpel Fils, Londres, Cornerhouse, Manchester; Jan van Eyck Academie, Maastricht; Heidelberg Kunstverein; NGKB, Berlín y Kunsthalle Krems. 

El trabajo de MacWilliam en video, fotografía e instalación, explora historias oscuras e ignoradas y toma en consideración fenómenos perceptivos y el mundo de lo suprasensorial y lo paranormal. A través de anécdotas, reconstrucciones y una cuidadosa edición, los trabajos de MacWilliam exploran formas del retrato y la interpretación, ofreciendo un registro visual histórico de casos dentro de la historia de la parapsicología y de la investigación psíquica. Con un interés en eso que se encuentra en la periferia de la cultura de masas, cayendo más allá de los campos convencionales de la ciencia y la psicología, MacWilliam ha desarrollado un extenso cuerpo de trabajo, explorando un rango de fenómenos que incluyen la percepción dermo-óptica, las habilidades psíquicas y los médiums.

 

Born in Belfast, Susan MacWilliam represented Northern Ireland at the 2009 Venice Biennale. Susan is a lecturer in Fine Art at the National College of Art and Design, Dublin. Her video works are held in the British Library Sound Archive. Having exhibiting extensively, her solo and group shows include: Highlanes Gallery, Drogheda; QUAD, Derby; Gimpel Fils, London; Cornerhouse, Manchester; Jan van Eyck Academie, Maastricht; Heidelberger Kunstverein; NGBK, Berlin, and Kunsthalle Krems. 

Working with video, photography and installation MacWilliam’s work explores obscure and overlooked histories and considers perceptual phenomena and the world of the paranormal and supersensory.  Through anecdote, reconstruction and detailed editing MacWilliam’s works explore forms of portraiture and interpretation, and provide a historical visual record of cases within the history of parapsychology and psychical research. The works consider the world of the paranormal, the supersensory and the tradition of psychical research. With an interest in that which is on the periphery of the mainstream and which falls beyond conventional fields of science and psychology MacWilliam has developed an extensive body of work, exploring a range of phenomena including dermo optical perception, table tilting, psychic abilities and mediumship. 

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Teresa Margolles nació en Culiacán, capital de la ciudad mexicana de Sinaloa. Estudió medicina forense en la Universidad Nacional Autónoma de México y es reconocida en el campo del arte conceptual por sus obras en las cuales Margolles pone a dialogar los saberes científicos sobre la muerte con técnicas artísticas para explorar las causas sociales y consecuencias de la violencia en México.

El uso del cuerpo como materia fundamental de su obra ha sido el pilar para visibilizar la crisis social producida por la violencia en el país, denunciar los feminicidios en lugares como Ciudad Juárez y reflexionar a propósito de los prejuicios sobre el destino y tratamiento de los cuerpos muertos. Sus obras la han hecho merecedora de premios y distinciones como dos becas del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes para Jóvenes Creadores, un premio de Adquisición en la VII Bienal de Cuenca en Ecuador y una Mención Honorífica en la Bienal del Noroeste en Culiacán, Sinaloa, y en el 2012 recibió
el premio Príncipe Claus.

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Tupac Cruz es un artista, escritor y músico  que nos dice: “Veo que hay, entre los objetos sensibles, unos que dan auxilio u ordenes y otros que se dan a leer, como diagramas o acertijos; otros que marcan a un portador y otros que pretenden absorberlo. Supongo que todos son objetos de uso, aunque el uso que hacemos de algunos de ellos es extraño: los usamos para introducir desorden en nuestra mente, que al usarlos abdica en favor del útil. En los últimos años he tratado, cuando produzco objetos sensibles, que se presten a varias de estar formas de uso a la vez". Vive en Bogotá.

 

Tupac Cruz is an artist, writer, and musician who told us: " I see that, between the sensitive objects, there are some that gives assistance and orders and others that let us read them, as diagrams or puzzles; others that indicate a bearer and other ones pretend to absorb it. I guess that all of them are objects in use, although the use we make of some of them is weird: we use them to introduce disturbance in our mind, when they are used they abdicate to the usefulness. In the last year i have tried that, the sensitive objects i produce, could have different forms of use at the same time" Tupac Cruz lives in Bogotá.